Canción

OTELO : Willow Song The Willow Song (tradicional), cantada por Desdemona en OTELO , Acto IV, escena 3, línea 43; realizado por Gillian Humphreys. 'Shakespeare y el amor', Pearl SHE 9627

Canción , pieza musical interpretada por una sola voz, con o sin acompañamiento instrumental. Las obras para varias voces se denominan duetos, tríos, etc. conjuntos más grandes cantan musica coral . El habla y la música se han combinado desde tiempos remotos; la música realza el efecto de las palabras, lo que permite que se interpreten con una proyección y pasión que es difícil de lograr solo con el habla. El estilo de canto difiere tanto dentro como entre culturas , reflejando a menudo variables tales como los ideales de interacción social, las percepciones del mundo espiritual y el grado en que una sociedad usa la escritura como medio principal de comunicación. Algunas culturas valoran una calidad vocal relajada y natural, con una ligera articulado letras, mientras que otros cultivar un muy entrenado, tenso sonar , con palabras enunciadas con precisión.



En la música occidental, la canción popular se distingue habitualmente de la canción artística. Las canciones populares generalmente se cantan sin acompañamiento o con el acompañamiento proporcionado por un solo instrumento, por ejemplo, un guitarra o un dulcimer. Por lo general, se aprenden de oído y pocas veces se escriben; por lo tanto, son susceptibles a cambios de notas y palabras a través de generaciones de transmisión oral. Se desconocen los compositores de la mayoría de las canciones populares.



Las canciones de arte, por el contrario, están destinadas a ser interpretadas por cantantes profesionales, o al menos cuidadosamente enseñados, generalmente acompañados de piano o conjunto instrumental. Las notas están escritas, y las notas y palabras son a partir de entonces resistentes a alteraciones casuales. Las canciones populares se encuentran a medio camino entre las canciones folklóricas y artísticas en lo que respecta a la dificultad técnica, la complejidad del musical estructura y resistencia al cambio.

Extracto de la canción popular Barbara Allen, interpretada por Mary Sullivan; grabado por Charles Todd y Robert Sonkin en un campamento de migrantes de la Farm Security Administration en California, 1940. División de Películas, Radiodifusión y Sonido Grabado de la Biblioteca del Congreso, Washington, D.C.



Las canciones populares suelen acompañar actividades como ceremonias religiosas, bailes, trabajo o cortejos. Otras canciones populares cuentan historias; las principales de ellas son las baladas narrativas y las letras. Las baladas angloamericanas están orientadas a la acción y, a menudo, tratan sobre un episodio trágico. Las letras de las canciones están más orientadas a las emociones, más sentimentales. En muchas culturas, tanto históricas como contemporáneas, el canto de epopeyas heroicas también es una tradición importante. Las canciones populares suelen tener melodías relativamente sencillas, por lo general con solo una o unas pocas notas por sílaba. El lenguaje tiende a seguir ciertas convenciones y suele ser repetitivo. En la mayoría de los casos, la música y las palabras son fácilmente comprensibles, pero en algunas tradiciones se usa un registro especial de lenguaje para cantar, lo que hace que las interpretaciones sean sólo parcialmente comprensibles para el oyente medio.

Las canciones de arte en la tradición europea rara vez están conectadas con actividades extramusicales. Sus textos tienden a ser sofisticados, sus melodías a menudo amplias y complejas. La canción artística, como la música clásica en su conjunto, es esencialmente un fenómeno urbano, con orígenes en la medieval tribunales, colegios, ciudades e iglesias. Trouvères y trovadores del siglo XII dejaron un gran corpus de melodías y versos cantados; fueron imitados en toda Europa. Las melodías y los poemas son sutiles y muy organizados, producto de una sociedad aristocrática. Los manuscritos no indican acompañamiento; presumiblemente fue improvisado.

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Con el crecimiento de la música polifónica en Europa en los siglos XIII y XIV, los compositores aprendieron a asignar la melodía principal a un cantante solista, con melodías subsidiarias tocadas con instrumentos. La técnica de hacer que una melodía imite a una precedente llevada por el siglo XV a elaborar texturas en las que la primacía de la línea vocal estaba amenazada; siguió una reacción en las canciones con el menor acompañamiento posible, sólo unos pocos acordes. Estos se hicieron muy populares, y en el siglo XVI, la cuidadosa declamación y audibilidad del texto se convirtió nuevamente en una preocupación central.



La música dramática del siglo XVII vio un mayor refinamiento del estilo de la canción. Surgieron distinciones entre recitativo y aire , el primero totalmente orientado a las palabras y libre, con mínimo acompañamiento de acordes, y el segundo más virtuoso y melódicamente elaborado, con un acompañamiento más rico y variado. Siendo musicalmente más interesantes, las arias llegaron a dominar opera , cantata y oratorio, y en el siglo XVIII se prestó relativamente poca atención a la canción solista fuera de estos géneros . Las canciones de Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph Haydn, por ejemplo, no se consideran entre sus mejores obras. Solo en la música popular florecieron las canciones estróficas (estrofas) simples con acompañamiento de teclado.

Mendelssohn, Felix: Canciones sin palabras Trauermarsch (marcha fúnebre), op. 62, n. ° 27, en mi menor, uno de los Canciones sin palabras ( Canciones sin palabras ). Musopen.org

A principios del siglo XIX Franz Schubert las canciones sobresalieron en realización dramática y calidad musical. Robert Schumann, Johannes Brahms y los otros líderes Romántico Los compositores aprendieron de Schubert no solo el arte de variar una melodía estrófica, sino también el significado potencial del acompañamiento. Felix Mendelssohn en última instancia, elevó el acompañamiento al estado de canción en su Canciones sin palabras (1832–45; Canciones sin palabras ), una colección de piezas sin texto que evocan imágenes poéticas solo a través del sonido del piano. En la canción francesa las obras de compositores como Gabriel Fauré y Claude Debussy posee característicamente armonías cambiantes y caleidoscópicas, influenciadas en parte por los fluidos patrones acentuales del lenguaje.



Los compositores posteriores continuaron explorando la relación de la voz con el acompañamiento y expandiendo el rango de expresión y técnica del cantante, a veces tratando la voz de manera instrumental. George e Ira Gershwin, por ejemplo, incorporaron sugerencias de canto scat, una técnica vocal improvisada de jazz que utiliza sílabas sin sentido para imitar el sonido de los solos instrumentales, en su ópera. Porgy and Bess (1935). A finales del siglo XX y principios del XXI, el vocalista y compositor estadounidense Bobby McFerrin fue reconocido por su extraordinaria habilidad para imitar no solo el sonido de instrumentos individuales sino también conjuntos completos usando solo su voz. ( Ver también canción ; mintió ; música vocal .)