Es dudoso que los principios del diseño sean universales en el arte de la escultura, porque los principios que gobiernan la organización de los elementos de la escultura en formas expresivas. composiciones difieren de un estilo a otro. De hecho, las distinciones que se hacen entre los principales estilos de escultura se basan en gran medida en el reconocimiento de las diferencias en los principios de diseño que las subyacen. Así, el historiador del arte Erwin Panofsky intentaba definir una diferencia de principio en el diseño de la escultura románica y gótica cuando afirmaba que las formas del románico se concebían como proyecciones desde un plano exterior a sí mismas, mientras que las del gótico se concebían como centradas. en un eje dentro de sí mismos. Panofsky consideró el principio de axialidad como el principio esencial de la estatuaria clásica, que el gótico había redescubierto.
Los principios del diseño escultórico gobiernan los enfoques de los escultores en cuestiones tan fundamentales como la orientación, la proporción, la escala, la articulación y el equilibrio.
Para concebir y describir la orientación de las formas de la escultura en relación entre sí, con un espectador y con su entorno, se requiere algún tipo de esquema espacial de referencia. Esto lo proporciona un sistema de ejes y planos de referencia.
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Un eje es una línea central imaginaria a través de un volumen o grupo de volúmenes simétrico o casi simétrico que sugiere el pivote gravitacional de la masa. Así, todos los componentes principales del cuerpo humano tienen ejes propios, mientras que una figura erguida tiene un solo eje vertical que recorre toda su longitud. Los volúmenes pueden girar o inclinarse sobre sus ejes.
Los planos de referencia son planos imaginarios a los que pueden referirse los movimientos, posiciones y direcciones de volúmenes, ejes y superficies. Los principales planos de referencia son el frontal, el horizontal y los dos planos de perfil.
Los principios que rigen las poses características y las composiciones espaciales de las figuras erguidas en diferentes estilos de escultura se formulan con referencia a los ejes y los cuatro planos cardinales: por ejemplo, el principio de axialidad ya mencionado; el principio de frontalidad, que rige el diseño de Arcaico escultura; el característico contrapposto (postura en la que partes del cuerpo, como la parte superior e inferior, se inclinan o incluso giran en direcciones opuestas) de De Miguel Ángel cifras; y en la escultura griega de pie del período clásico, la pose quiástica equilibrada de uso frecuente (postura en la que el peso corporal se apoya principalmente en una pierna, creando así un contraste de tensión y relajación entre los lados opuestos de una figura).
Miguel Ángel: David David , escultura de mármol de Miguel Ángel, 1501–04; en la Galleria dell'Accademia, Florencia. hoja máxima / Dreamstime.com
Existen relaciones proporcionales entre dimensiones lineales, áreas y volúmenes y masas. Los tres tipos de proporción coexisten e interactúan en la escultura, contribuyendo a su expresividad y belleza. Las actitudes hacia la proporción difieren considerablemente entre los escultores. Algunos escultores, tanto abstractos como figurativos, utilizan sistemas matemáticos de proporción; por ejemplo, el refinamiento y la idealización de las proporciones humanas naturales fue una de las principales preocupaciones de los escultores griegos. Los escultores indios emplearon cánones iconométricos, o sistemas de proporciones cuidadosamente relacionadas, que determinaban las proporciones de todas las dimensiones significativas de la figura humana. Los escultores africanos y otros basan las proporciones de sus figuras en la importancia subjetiva de las partes del cuerpo. Las proporciones no naturales se pueden utilizar con fines expresivos o para acomodar una escultura a su entorno. El alargamiento de las figuras en el Portail Royal (Portal Real) de la catedral de Chartres hace ambas cosas: realza su sobrenaturalidad y también integra ellos con la arquitectura columnar.
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Figura de poder (Nkisi N'Kondi: Mangaaka) Figura de poder (Nkisi N'Kondi: Mangaaka) , escultura en madera, pintura, metal, resina y cerámica de los pueblos Kongo, siglo XIX; en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. Fotografía de Katie Chao. El Museo Metropolitano de Arte, Ciudad de Nueva York, compra, Lila Acheson Wallace, Dres. Daniel y Marian Malcolm, Laura G. y James J. Ross, Jeffrey B. Soref, The Robert T. Wall Family, Dr. y Mrs. Sidney G. Clyman y Steven Kossak Gifts, 2008 (2008.30)
A veces es necesario adaptar las proporciones de la escultura a su posición en relación con un espectador. Una figura situada en lo alto de un edificio, por ejemplo, suele agrandarse en sus partes superiores para contrarrestar los efectos del escorzo. Esto debe permitirse cuando una escultura destinada a tal posición se exhibe al nivel de los ojos en un museo .
La escala de la escultura a veces debe considerarse en relación con la escala de su entorno. Cuando es un elemento de un complejo más grande, como la fachada de un edificio, debe estar en escala con el resto. Otra consideración importante que los escultores deben tener en cuenta al diseñar esculturas al aire libre es la tendencia de la escultura al aire libre, especialmente cuando se ve contra el cielo, a parecer menos masiva que en un estudio. Debido a que uno tiende a relacionar la escala de la escultura con las propias dimensiones físicas humanas, el impacto emocional de una figura colosal y una pequeña figurilla son bastante diferentes.
En la antigua y medieval Esculpir la escala relativa de las figuras en un composición a menudo está determinada por su importancia; Por ejemplo, las personas esclavizadas son mucho más pequeñas que los reyes o los nobles. Esto a veces se conoce como escala jerárquica.
Estela de la victoria de Naram-Sin Estela de la victoria de Naram-Sin, rey de Akkad, escultura en relieve de arenisca, 2250bce, en el Louvre, París. Erich Lessing / Art Resource, Nueva York
La unión de una forma a otra se puede realizar de diversas formas. En gran parte del trabajo del escultor francés Auguste Rodin del siglo XIX, no hay límites claros, y una forma se fusiona con otra de una manera impresionista para crear una superficie que fluye continuamente. En las obras del escultor griego Praxiteles, las formas se mezclan suave y sutilmente mediante transiciones suaves y borrosas. Los volúmenes de la escultura india y la anatomía superficial de las figuras masculinas al estilo del escultor griego Polyclitus están claramente definidos y claramente articulado . Una de las principales distinciones entre el trabajo de los escultores italianos y del Renacimiento del norte radica en la preferencia de los italianos por composiciones compuestas por unidades de forma distintas y claramente articuladas y la tendencia de los europeos del norte a subordinar las partes individuales al flujo total de la composición.
Auguste Rodin: El beso Vista frontal de El beso , escultura de mármol de Auguste Rodin, tallada entre 1888 y 1898; en el Museo Rodin, París. SuperStock
Auguste Rodin: El beso Detalle de la vista lateral de El beso , escultura de mármol de Auguste Rodin, tallada entre 1888 y 1898; en el Museo Rodin, París. Erich Lessing / Art Resource, Nueva York
El saldo, o equilibrio , de la escultura independiente tiene tres aspectos. Primero, la escultura debe tener una estabilidad física real. Esto se puede lograr mediante el equilibrio natural, es decir, haciendo que la escultura sea lo suficientemente estable en sí misma como para mantenerse firme, lo cual es bastante fácil de hacer con un animal de cuatro patas o una figura reclinada, pero no con una figura de pie o una figura alta y delgada. escultura, que debe fijarse a una base. El segundo aspecto del equilibrio es composicional. La interacción de fuerzas y la distribución del peso dentro de una composición pueden producir un estado de dinámica o equilibrio estático . El tercer aspecto del equilibrio se aplica solo a la escultura que representa una figura viva. Una figura humana viva se equilibra sobre dos pies haciendo constantes movimientos y ajustes musculares. Este efecto se puede transmitir en la escultura mediante sutiles desplazamientos de forma y sugerencias de tensión y relajación.
Praxiteles: Hermes llevando al infante Dionisio Hermes llevando al infante Dionisio , estatua de mármol de Praxiteles, c. 350–330bce(o una copia helenística de su original); en el Museo Arqueológico de Olimpia, Grecia. Altura 2,15 metros. Índice abierto
La escultura ha estado estrechamente relacionada con arquitectura a través de su papel como decoración arquitectónica y también a nivel de diseño. La arquitectura, como la escultura, se ocupa de la forma tridimensional; y, aunque el problema central en el diseño de edificios es la organización del espacio más que la masa, hay estilos de arquitectura que son efectivos en gran medida a través de la calidad y organización de sus formas sólidas. Los estilos antiguos de arquitectura en piedra, particularmente egipcia, griega y mexicana, tienden a tratar sus componentes de manera escultórica. Además, la mayoría de los edificios vistos desde el exterior son composiciones de masas. El crecimiento de la escultura espacial está tan íntimamente relacionado con la apertura y la iluminación de la arquitectura, que el desarrollo de la tecnología moderna de la construcción ha hecho posible, que se puede decir que muchos escultores del siglo XX trataron su trabajo de manera arquitectónica.
Algunas formas de escultura en relieve se acercan mucho a las artes pictóricas de la pintura, el dibujo, el grabado, etc. Y las esculturas en círculo que hacen uso del claroscuro y que se conciben principalmente como vistas pictóricas más que como composiciones en círculo se dice que son pictóricas; por ejemplo, Bernini Éxtasis de Santa Teresa .
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Gian Lorenzo Bernini: El éxtasis de santa Teresa El éxtasis de santa Teresa , escultura de nicho de mármol y bronce dorado de Gian Lorenzo Bernini, 1645–52; en la Capilla Cornaro, Santa Maria della Vittoria, Roma. Scala / Art Resource, Nueva York
Los límites entre la escultura y la alfarería y las artes metalúrgicas no están bien definidos, y muchos alfarería y metal artefactos tienen todo el derecho a ser considerado como escultura. Hoy hay un creciente afinidad entre el trabajo de diseñadores industriales y escultores. Las técnicas de modelado escultórico y, en ocasiones, los propios escultores, suelen estar implicadas, por ejemplo, en las etapas iniciales del diseño de nuevas carrocerías de automóviles.
Las estrechas relaciones que existen entre la escultura y las demás artes visuales están atestiguadas por el número de artistas que han pasado rápidamente de un arte a otro; por ejemplo, Miguel Ángel, Bernini, Pisanello, Degas y Picasso.
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