Mural , una pintura aplicada y realizada integral con la superficie de una pared o techo . El término puede incluir correctamente la pintura sobre baldosas cocidas, pero normalmente no se refiere a mosaico decoración a menos que el mosaico forme parte del esquema general de la pintura.
Charles Sprague Pearce: Religión Detalle de Religión , mural en luneta de la serie Familia y educación de Charles Sprague Pearce, 1897; en la Biblioteca del Congreso, Edificio Thomas Jefferson, Washington, D.C. Carol M. Highsmith / Biblioteca del Congreso, Washington, D.C. (Número de archivo digital: LC-DIG-highsm-02028)
La pintura mural es inherentemente diferente de todas las demás formas de arte pictórico en que está orgánicamente conectada con arquitectura . El uso del color, el diseño y el tratamiento temático puede alterar radicalmente la sensación de proporciones espaciales del edificio. En este sentido, el mural es la única forma de pintura verdaderamente tridimensional, ya que modifica y participa de un espacio determinado. La decoración de mosaicos bizantinos mostró el mayor respeto por la forma arquitectónica orgánica. Los grandes artistas del Renacimiento , por otro lado, intentó crear un sentimiento ilusionista por el espacio, y los maestros de la subsiguiente Barroco El período obtuvo efectos tan radicales que parecían disolver casi por completo las paredes o techos. Aparte de su relación orgánica con la arquitectura, una segunda característica de la pintura mural es su amplio significado público. El artista mural debe concebir pictóricamente un tema social, religioso o patriótico en la escala apropiada en referencia tanto a la estructura exigencias del muro y a la idea expresada.
En la historia de la pintura mural se han utilizado muchas técnicas: pintura encáustica, pintura al temple , pintura al fresco , cerámica, pintura de aceite sobre lienzo y, más recientemente, silicato líquido y esmalte de porcelana cocida. En la época grecorromana clásica, el medio más común era la encáustica, en la que los colores se muelen en una carpeta de cera de abejas fundida (o resina aglutinante) y se aplica a la superficie de pintura mientras está caliente. Pintura al temple también se practicó desde los tiempos más remotos conocidos; el aglutinante era un medio albuminoso como la yema de huevo o huevo blanco diluido en agua . En la Europa del siglo XVI, pintura de aceite sobre lienzo pasó a ser de uso general para murales. El hecho de que pudiera completarse en el estudio del artista y luego transportarse a su destino y adherirse a la pared fue una práctica conveniencia. Sin embargo, la pintura al óleo es el medio menos satisfactorio para los murales: carece tanto de brillo de color como de textura superficial, muchos pigmentos se amarillean con el aglutinante o se ven afectados por las condiciones atmosféricas, y el lienzo mismo está sujeto a un rápido deterioro.
Los romanos utilizaron la pintura mural de manera extraordinaria. En Pompeya y Ostia, las paredes y los techos de casi todos los edificios, públicos y privados, se pintaron en esquemas decorativos unificados e inventivos que abarcado una amplia gama de imágenes, que incluyen paisajes, naturaleza muerta y escenas con figuras. Sin embargo, en ningún otro momento antes o después, la decoración mural ha recibido un mayor grado de concentración creativa por parte del artista y mecenas que en Europa durante el Renacimiento . Un espíritu continuamente inventivo y una mente inquisitiva, una gran cantidad de apoyo de los clientes y una actitud siempre despierta hacia nuevas posibilidades creativas son características de esta época notable. Se habla en general de un estilo del Renacimiento temprano (siglo XV), del Renacimiento alto (1500-30) y del Renacimiento tardío o manierista (segundo y tercer cuarto del siglo XVI). Los centros de actividad fueron las distintas ciudades y las personalidades y familias rivales que dominaban cada zona como líderes políticos y culturales.
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En Florencia , sin duda el centro más importante, el desarrollo revela un énfasis en problemas específicos de forma casi hasta el punto de obsesión . Comenzó con la concentración en la figura monumental de Masaccio, donde las formas sólidamente construidas en un espacio tridimensional están estrechamente integrado mediante el gesto y la luz y la sombra para producir una unidad dramática. La habilidad parece haber sido reconocida y desarrollada por artistas sucesivos como Paolo Uccello , Piero della Francesca y Melozzo da Forli. Los grandiosos frescos de Luca Signorelli (capilla de San Brizio, Orvieto) revelan la concentración en la anatomía y la estructura bien modelada de muchas figuras desnudas para lograr una mayor fuerza y articulación. Éste se convierte entonces en el punto de partida del gran arte de Miguel Angel en el próximo siglo.
Una segunda tradición es la más conservador y gótico ejemplificado por la expresión pura y mística de Fra Angelico ( San Marco , Florencia). Una tercera tradición es una especie de romántico realismo que se encuentra en los frescos de Fra Filippo Lippi (la catedral de Prato) y Benozzo Gozzoli (capilla del Palacio de los Medici, Florencia). Tanto los murales de Lippi como los de Gozzoli revelan una conciencia de los problemas artísticos de Masaccio, pero también un nuevo interés por la naturaleza y su representación reconocible y realista. Finalmente, estos heterogéneo Los elementos se combinan en un estilo altamente sensible y decorativo durante el último cuarto del siglo XV, particularmente en los frescos de Domenico Ghirlandaio y Sandro Botticelli .
Fra Angelico: La Anunciación La Anunciación , fresco de Fra Angelico, 1438-1445; en el Museo de San Marco, Florencia. SCALA / Art Resource, Nueva York
