Georgia O’Keeffe , (nacida el 15 de noviembre de 1887, cerca de Sun Prairie, Wisconsin, EE. UU., fallecida el 6 de marzo de 1986, Santa Fe, Nuevo México), pintora estadounidense que se encontraba entre las figuras más influyentes del modernismo, mejor conocida por sus pinturas de gran formato de formas naturales, especialmente flores y huesos, y por sus representaciones de Nueva York rascacielos y formas arquitectónicas y paisajísticas exclusivas del norte Nuevo Mexico .
O'Keeffe creció con seis hermanos en una granja lechera de Wisconsin y recibió lecciones de arte en casa cuando era niño. A lo largo de sus años escolares, los maestros reconocieron y cultivado su habilidad para dibujar y pintar. Al graduarse de escuela secundaria , O’Keeffe decidido a convertirse en un artista profesional.
Ella asistió por primera vez al Instituto de Arte de Chicago (1905-06); luego se fue a la ciudad de Nueva York para estudiar en la Art Students League. O'Keeffe rápidamente se volvió competente en el realismo imitativo, el enfoque de la creación de imágenes que formaba la base de todo el plan de estudios estándar de las escuelas de arte en ese momento, y en 1908 ganó el premio de naturaleza muerta William Merritt Chase de la liga por su título. pintura al óleo Sin título (Conejo muerto con olla de cobre) (1908). Sin embargo, debido a que creía que nunca se distinguiría como pintora dentro de la tradición del realismo imitativo, abandonó por completo su compromiso de ser pintora y aceptó un trabajo en Chicago como artista comercial.
Mientras estaba con su familia en 1912, O’Keeffe asistió a un curso de verano para profesores de arte en la Universidad de Virginia, Charlottesville, impartido por Alon Bement del Teachers College de la Universidad de Columbia, en la ciudad de Nueva York. Bement la familiarizó con el pensamiento entonces revolucionario de su colega en Teachers College, el artista y educador de arte Arthur Wesley Dow. Dow creía en la idea modernista de que el tema del trabajo de los artistas deberían ser sus ideas y sentimientos personales y que estos podrían visualizarse de la manera más eficaz mediante la disposición armoniosa de línea, color y notan (el sistema japonés de ordenar luces y sombras).
Dow rechazó el realismo imitativo y, al abrazar el estético de un asiático cultura , lo más probable es que sus ideas hayan tocado una fibra sensible con O’Keeffe. Parece haber tenido una apreciación intuitiva de esta estética, habiéndola conocido a través de los manuales de arte que usaba cuando era estudiante en la escuela primaria y secundaria. El enfoque de Dow, entonces, al ofrecer una alternativa al realismo imitativo, reavivó el deseo de O'Keeffe de ser un artista profesional. Posteriormente, trabajó con estas ideas cuando enseñaba arte en una escuela pública en Amarillo, Texas (1912–14) y cuando trabajaba como asistente de Bement durante el verano en la Universidad de Virginia (1913–16).
En el otoño de 1915, después de un año de estudiar con Dow en Nueva York, O’Keeffe aceptó un trabajo de profesor en Columbia, Carolina del Sur, en Columbia College. Allí, profundizando en sus exploraciones de los principios de Dow, buscó un medio de expresión puramente personal y recurrió a la abstracción para producir obras como No. 3 – Especial (1915). Al hacerlo, ella trascendido Dow enseñó y se convirtió en uno de los pocos modernistas estadounidenses y europeos que estaban trabajando con este nuevo e innovador enfoque para la creación de imágenes.
A fines de 1915, envió por correo algunos de estos dibujos a un antiguo compañero de clase del Teachers College, quien los recibió a principios de 1916 y los llevó de inmediato a la famosa galería de vanguardia de la ciudad de Nueva York, 291, operada por el fotógrafo y empresario Alfred Stieglitz. Impresionado con lo que vio, Stieglitz incluyó 10 de sus dibujos en una exposición colectiva en 291 en mayo de 1916, y en abril de 1917 patrocinó una muestra individual de su trabajo.
En el otoño de 1916 O’Keeffe se mudó a Canyon, Texas, como jefe del departamento de arte en West Texas State Normal College. El trabajo que posteriormente completó allí demuestra su profunda respuesta a las vastas llanuras y los cielos abiertos del oeste de Texas y, en particular, a las dramáticas configuraciones del paisaje del cercano Cañón de Palo Duro. Sobre todo, sus pinturas de la época, sobre todo sus acuarelas, como Amanecer y pequeñas nubes II (1916), Estrella vespertina n. ° VII (1917) y No. II Luz que llega a las llanuras (1917) —revela su continua fascinación por la abstracción como medio de expresión.
que es la quilla de un barco
Debido a una enfermedad, O’Keeffe se ausentó de la docencia en febrero de 1918, y más tarde renunció a su puesto para aceptar la oferta de Stieglitz de apoyar su actividad pictórica durante un año; se mudó a Nueva York ese junio. Aunque Stieglitz estaba casado y era casi 24 años mayor que O’Keeffe, los dos se enamoraron y empezaron a vivir juntos. Dividieron su tiempo entre la ciudad y la finca de la familia Stieglitz en Lake George, Nueva York, y se casaron en 1924 cuando Stieglitz se divorció.
Alfred Stieglitz; Georgia O'Keeffe Alfred Stieglitz y Georgia O'Keeffe. Encyclopædia Britannica, Inc.
Desde 1916 hasta su muerte en 1946, Stieglitz trabajó asidua y eficazmente para promover a O’Keeffe y su arte. Fue el único entre sus pares en la década de 1910 al sostener que el arte estadounidense podía igualar al arte europeo y al afirmar que las mujeres podían crear un arte igual al producido por los hombres. Sin embargo, comparó el proceso creativo con las energías sexuales, y desde el principio definió el trabajo de O’Keeffe principalmente en términos de género, declarando que su imaginería era visual. demostración de una mujer sexualmente liberada. En 1921 proporcionó equivalentes visuales a sus ideas al exhibir una gran cantidad de fotografías que había hecho de O’Keeffe. Muchos la presentaban desnuda o en varias etapas de desnudez, a veces posada frente a sus dibujos y pinturas abstractas mientras gesticulaban hacia ellos con sus brazos y manos.
Alfred Stieglitz: fotografía de Georgia O'Keeffe Georgia O'Keeffe, fotografía de Alfred Stieglitz, c. 1918; en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; La Fundación Georgia O'Keeffe y Jennifer y Joseph Duke, 1997, 1997.61.20, www.metmuseum.org
Alfred Stieglitz: fotografía de Georgia O'Keeffe Georgia O'Keeffe, fotografía de Alfred Stieglitz, c. 1921; en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; La Fundación Georgia O'Keeffe y Jennifer y Joseph Duke, 1997, 61.1997, www.metmuseum.org
La asociación de Stieglitz de las abstracciones de O’Keeffe con su cuerpo capturó la imaginación de los críticos, cuyas reseñas de su próxima exposición, una retrospectiva organizada por Stieglitz en las Anderson Galleries en 1923, fueron abrumadoramente freudianas. Desde entonces hasta su muerte, Stieglitz organizó exposiciones anuales de la obra de O’Keeffe en las Anderson Galleries (1924-1925), la Íntimo Gallery (1925–29) y An American Place (1929–46), los dos últimos de los cuales operaba él mismo. A fines de la década de 1920, O’Keeffe se había convertido en una de las artistas modernistas más célebres de Nueva York, y Stieglitz había creado un mercado lo suficientemente fuerte para su trabajo como para disfrutar de la seguridad financiera y la independencia.
Después de su llegada a Nueva York en 1918, O’Keeffe continuó produciendo arte abstracto, como Racha / racha roja y naranja (1919), que figura entre las obras más imaginativas y provocativas de su carrera. Sin embargo, en 1919 también había comenzado a pintar con precisión delineado , formas reconocibles, quizás en respuesta a su creciente conciencia no solo de las imágenes fotográficas sino también de las ideas de Stieglitz sobre su trabajo. O'Keeffe era miembro del Partido Nacional de la Mujer, la organización feminista más radical de principios del siglo XX en los Estados Unidos; como tal, rechazó la noción esencialista de que las mujeres poseen inherentemente un conjunto de rasgos de carácter particulares. En consecuencia, se opuso fuertemente a las interpretaciones de género de su trabajo, así como a la imagen pública sexualizada que Stieglitz había creado de ella. En un intento por remodelar esta imagen pública, comenzó, después de la exhibición Anderson Galleries de 1923, a promocionarse como una profesional seria y trabajadora. En entrevistas publicadas y en las fotografías que le hicieron Stieglitz y otros fotógrafos, empezó a cultivar una imagen pública que fue antitético al que Stieglitz había presentado de ella en su exposición de 1921 de su obra.
Alfred Stieglitz: fotografía de Georgia O'Keeffe Georgia O'Keeffe, fotografía de Alfred Stieglitz, c. 1918; en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; Donación de David A. Schulte, 1928, 28.127.1, www.metmuseum.org
Al creer que sus abstracciones eran la fuente principal de interpretaciones erróneas de su arte, O'Keeffe además restringió la producción de tales piezas y limitó su inclusión en las exposiciones de su trabajo que Stieglitz organizó después de 1923. Aunque nunca abandonó la abstracción modernista como el principio subyacente en Su obra, a mediados de la década de 1920 cambió su énfasis para redefinirse a sí misma como pintora de formas reconocibles, por lo que sigue siendo más conocida en la actualidad. Sus siguientes representaciones de temas reconocibles estaban repletas de formas abstractas que había identificado anteriormente como propias en la década de 1910, incluidos óvalos, formas de gancho o V y espirales. Sus pinturas de flores de gran formato, representadas con precisión y presentadas como vistas a través de una lupa, a menudo fueron declaradas por los críticos como una prueba más de su naturaleza femenina como base de su arte; sin embargo, estos trabajos suelen llamar la atención sobre los centros de las flores, que, en su mayor parte, son andrógino y por tanto no exclusivamente femenino. Mientras O'Keeffe abordó tanto las formas naturales como las creadas por el hombre en la década de 1920, produjo algunas de sus pinturas más distintivas, como Iris negro (1926) y Radiator Bldg. — Night, Nueva York (1927). Porque todas sus pinturas hablan de la estética modernista de menos es más, y porque muchas se basan en manipulaciones. intrínseco a la fotografía, como los recortes y las vistas en primer plano, revelan su fascinación constante por la fotografía, las ideas modernistas y la estética del arte asiático.
Georgia O'Keeffe: Hierba de Jimson / Flor blanca No. 1 Hierba de Jimson / Flor blanca No. 1 , óleo sobre lienzo de Georgia O'Keeffe, 1932; en el Museo de Arte Americano Crystal Bridges, Arkansas. 121,9 × 101,6 cm. Edward C. Robison III / 2016 Georgia O'Keeffe Museum / DACS
A pesar del crecimiento profesional y artístico que experimentó en Nueva York, O’Keeffe sabía a fines de la década de 1920 que ni el dinamismo de la ciudad ni la exuberancia del paisaje del lago George podían sostener sus esfuerzos creativos. Dividida entre su necesidad de buscar nuevos estímulos para su arte y su lealtad a Stieglitz, decidió pasar el verano de 1929 trabajando en su arte en Nuevo México, que había visitado brevemente por primera vez en 1917. Allí redescubrió un paisaje. ambiente tan estimulante para ella como lo había sido el paisaje del oeste de Texas en la década de 1910; de hecho, mantendría su creatividad durante muchos años.
Georgia O'Keeffe: Reflexiones del lago George Reflexiones del lago George , óleo sobre lienzo de Georgia O'Keeffe, fecha desconocida; en una colección privada. En una colección privada
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