Edvard Munch

Edvard Munch , (nacido el 12 de diciembre de 1863 en Löten, Noruega; fallecido el 23 de enero de 1944 en Ekely, cerca de Oslo), pintor y grabador noruego cuya intensa evocador El tratamiento de los temas psicológicos se basó en algunos de los principios principales del simbolismo de finales del siglo XIX y tuvo una gran influencia Expresionismo a principios del siglo XX. Su pintura El grito , o El llanto (1893), puede verse como un símbolo de la angustia espiritual moderna.

Primeros años

Munch nació en una familia de clase media que estaba plagada de problemas de salud. Su madre murió cuando él tenía cinco años, su hermana mayor cuando él tenía 14, ambas de tuberculosis; Munch finalmente capturó este último evento en su primera obra maestra, El niño enfermo (1885-1886). El padre y el hermano de Munch también murieron cuando él aún era joven, y otra hermana desarrolló enfermedad mental . Enfermedad, locura y muerte, como él decía, fueron los ángeles negros que vigilaron mi cuna y me acompañaron toda mi vida.



Munch mostró un don para el dibujo a una edad temprana, pero recibió poca formación formal. Un factor importante en su desarrollo artístico fue la Kristiania Bohème, un círculo de escritores y artistas en Kristiania, como se llamaba entonces a Oslo. Sus miembros creían en el amor libre y en general se oponían a la estrechez de miras burguesa. Uno de los pintores más viejos del círculo, Christian Krohg, le dio a Munch instrucción y aliento.



Munch pronto superó al naturalista predominante estético en Kristiania, en parte como resultado de su asimilación del impresionismo francés después de un viaje a París en 1889 y su contacto desde alrededor de 1890 con la obra de los pintores postimpresionistas Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec . En algunas de sus pinturas de este período adoptó las pinceladas abiertas de los impresionistas, pero el uso de Gauguin de la línea delimitadora fue para demostrar más agradable para él, al igual que la ambición de los artistas sintetistas de ir más allá de la descripción de la naturaleza externa y dar forma a una visión interior. Su amigo el poeta danés Emanuel Goldstein lo introdujo a la poesía simbolista decadente francesa durante este período, lo que lo ayudó a formular una nueva filosofía del arte, imbuida de un panteísta diseño de la sexualidad.

Madurez artística

El estilo profundamente original de Munch cristalizó alrededor de 1892. El uso fluido y tortuoso de la línea en sus nuevas pinturas era similar al del Art Nouveau contemporáneo, pero Munch usó la línea no como decoración sino como un vehículo para una profunda revelación psicológica. La indignada incomprensión de su trabajo por parte de los críticos noruegos se hizo eco de sus homólogos en Berlín cuando Munch expuso allí un gran número de sus pinturas en 1892 por invitación de la Unión de Artistas de Berlín. La emoción violenta y las imágenes poco convencionales de sus pinturas, especialmente sus representaciones audaces y francas de la sexualidad, crearon una amarga controversia. Los críticos también se sintieron ofendidos por su técnica innovadora, que para la mayoría parecía inacabada. El escándalo, sin embargo, ayudó a dar a conocer su nombre en toda Alemania, y desde allí su reputación se extendió aún más. Munch vivió principalmente en Berlín en 1892–95 y luego en París en 1896–97, y continuó desplazándose extensamente hasta que se estableció en Noruega en 1910.



Pinturas de amor y muerte

En el corazón del logro de Munch está su serie de pinturas sobre el amor y la muerte. Su núcleo original estaba formado por seis cuadros exhibidos en 1893, y la serie había crecido a 22 obras cuando se exhibió por primera vez bajo el título Friso de la vida en la Secesión de Berlín en 1902. Munch reorganizaba constantemente estos cuadros y, si había que vender uno, hacía otra versión. Así, en muchos casos existen varias versiones pintadas e impresiones basadas en la misma imagen. Aunque el Friso Se basa profundamente en la experiencia personal, sus temas son universales: no se trata de hombres o mujeres en particular, sino de hombres y mujeres en general, y de la experiencia humana de las grandes fuerzas elementales de la naturaleza. Visto en secuencia, un implícito surge la narrativa del despertar, el florecimiento y el marchitamiento del amor, seguido de la desesperación y la muerte.

El despertar del amor se muestra en La voz (1893), donde en una noche de verano una niña parada entre árboles parece ser convocada más por una voz interior que por cualquier sonido de un barco en el mar detrás de ella. Composicionalmente, esta es una de varias pinturas en el Friso en el que la horizontal sinuosa de la costa se contrapone a las verticales de árboles, figuras o el reflejo en forma de pilar a través del mar del sol o la luna. El florecimiento del amor se muestra en El beso (1892), en la que un hombre y una mujer están atrapados en un abrazo tierno y apasionado, sus cuerpos se funden en una única forma ondulada y sus rostros se funden tan completamente el uno en el otro que ninguno conserva rasgos individuales. Una imagen especialmente poderosa de la entrega, o trascendencia, de la individualidad es Madonna (1894-1895), que muestra a una mujer desnuda con la cabeza echada hacia atrás en éxtasis, los ojos cerrados y una forma de halo rojo sobre su cabello negro suelto. Esto puede entenderse como el momento de la concepción, pero hay más que un indicio de muerte en el hermoso rostro de la mujer. En el arte de Munch, la mujer es un otro con quien la unión se desea desesperadamente, pero se teme porque amenaza con la destrucción del ego creativo.

¿Por qué pasó la guerra fría?
El beso, xilografía coloreada de Edvard Munch, 1902; en el Victoria and Albert Museum de Londres.

El beso , xilografía coloreada de Edvard Munch, 1902; en el Victoria and Albert Museum de Londres. Victoria and Albert Museum, Londres; fotografía, John Webb



En otras obras que forman el Friso , Munch exploró el tema del sufrimiento causado por el amor, como se ve en títulos como Melancolía (c. 1892–93), Celos (1894-1895) y despojos mortales (1894). Si el aislamiento y la soledad, siempre presentes en su obra, se enfatizan especialmente en estos cuadros, son igualmente evidentes en Muerte en la habitación del enfermo (1893-1895), una de sus muchas pinturas sobre la muerte. Aquí la atención no está en el niño moribundo, que ni siquiera es visible, sino en los vivos, cada uno envuelto en su propia experiencia de duelo e incapaces de comunicarse o ofrecerse algún consuelo. El poder de la imagen se ve reforzado por el espacio cerrado claustrofóbicamente y por la perspectiva abrupta del suelo.

El mismo tipo de perspectiva dramática se utiliza en El grito , que es la obra más famosa de Munch. Inspirada en una experiencia alucinatoria en la que Munch sintió y escuchó un grito en toda la naturaleza, representa a una criatura presa del pánico, a la vez que parece un cadáver y que recuerda a un espermatozoide o un feto, cuyo contornos se hacen eco en las líneas arremolinadas del cielo rojo sangre. En esta pintura la ansiedad se eleva a un nivel cósmico, en última instancia relacionada con las cavilaciones sobre la muerte y el vacío de significado que iban a ser centrales para el existencialismo. (Las dos primeras versiones de El grito fecha de 1893; Munch creó otra versión en 1895 y completó una cuarta probablemente en 1910.) Su arte también tenía evidentes afinidades con la poesía y el drama de su época, y se pueden hacer interesantes comparaciones con el trabajo de los dramaturgos Henrik Ibsen y August Strindberg , cuyos retratos pintó.

Edvard Munch: El grito

Edvard Munch: El grito El grito , temple y caseína sobre cartón de Edvard Munch, 1893; en la Galería Nacional de Oslo. Galería Nacional, Oslo, Noruega / Bridgeman Art Library, Londres / SuperStock



La masiva producción de arte gráfico de Munch, que consta de aguafuertes, punta seca, litografías y grabados en madera, comenzó en 1894. El principal atractivo para él del grabado era que le permitía comunicar su mensaje a un número mucho mayor de personas, pero también le permitía él oportunidades emocionantes para la experimentación. Su falta de entrenamiento formal en cualquier medio gráfico fue sin duda un factor que lo empujó hacia técnicas extremadamente innovadoras. Como muchos de sus contemporáneos, estuvo influenciado por la tradición japonesa en su uso del grabado en madera, pero simplificó radicalmente el proceso, por ejemplo, imprimiendo desde un solo bloque de madera aserrada en varias piezas pequeñas. El uso que hizo Munch de la veta real de la madera con fines expresivos resultó ser un experimento especialmente exitoso e influyó mucho en los artistas posteriores. También combinó con frecuencia diferentes medios o superpuso un medio sobre otro. Los grabados de Munch se parecen mucho a sus pinturas tanto en estilo como en temática.