Arte y arquitectura barroca

Arte y arquitectura barroca , las artes visuales y el diseño y la construcción de edificios producidos durante la era de la historia del arte occidental que coincide aproximadamente con el siglo XVII. Lo más temprano demostraciones , que ocurrieron en Italia, datan de las últimas décadas del siglo XVI, mientras que en algunas regiones, notablemente Alemania y Sudamérica colonial, ciertos logros culminantes del barroco no ocurrieron hasta el siglo XVIII. La obra que distingue el período barroco es estilísticamente compleja, incluso contradictoria. Sin embargo, en general, el deseo de evocar estados emocionales apelando a los sentidos, a menudo de manera dramática, subyace en sus manifestaciones. Algunas de las cualidades asociadas con mayor frecuencia al barroco son la grandeza, la riqueza sensual, drama , vitalidad, movimiento, tensión, exuberancia emocional y una tendencia a difuminar las distinciones entre las diversas artes.

Artemisia Gentileschi: Judith con su sirvienta

Artemisia Gentileschi: Judith con su sirvienta Judith con su sirvienta , pintura al óleo de Artemisia Gentileschi, 1613–14; en el Palacio Pitti, Florencia. Scala / Art Resource, Nueva York



Preguntas principales

¿De dónde viene el término? Barroco ¿viene de?

El termino Barroco probablemente derivado de la palabra italiana barroco , que los filósofos utilizaron durante el Edad media describir un obstáculo en lógica esquemática. Posteriormente, la palabra pasó a denotar cualquier idea retorcida o proceso involutivo de pensamiento. Otra posible fuente es la palabra portuguesa barroco (Español barrueco ), utilizado para describir una perla de forma imperfecta. En la crítica de arte la palabra Barroco ha llegado a describir cualquier cosa irregular, extraña o que se aparte de las reglas y proporciones establecidas durante el Renacimiento . Hasta finales del siglo XIX, el término siempre implicaba algo extraño, exagerado y sobredecorado. Fue solo con el estudio pionero de Heinrich Wölfflin, Renacimiento y Barroco (1888), que el término se usó como una designación estilística más que como un término de abuso apenas velado y que se logró una formulación sistemática de las características del estilo barroco.



______________ es el proceso de grabado en el que se inciden líneas en la superficie de un plato.
Leer más a continuación: El origen del término Heinrich Wölfflin Lea sobre el historiador Heinrich Wölfflin, quien reformuló la palabra Barroco de un término de abuso apenas velado al nombre de un estilo y un período distintivos.

¿Cuáles son las características del arte y la arquitectura barroca?

La obra que distingue al período barroco es estilísticamente compleja e incluso contradictoria. Corrientes del naturalismo y el clasicismo, por ejemplo, convivieron y se entremezclaron con el típico estilo barroco. Sin embargo, en general, el deseo de evocar estados emocionales apelando a los sentidos, a menudo de manera dramática, subyace en sus manifestaciones. Algunas de las cualidades más frecuentemente asociadas con el barroco son la grandeza, la riqueza sensual, el drama, el dinamismo, el movimiento, la tensión, la exuberancia emocional y la tendencia a difuminar las distinciones entre las diversas artes.

Leer más a continuación: El origen del término San Carlo alle Quattro Fontane Vea un ejemplo del drama y el movimiento característicos de la arquitectura barroca en el diseño de Francesco Borromini para San Carlo alle Quattro Fontane.

¿Cómo surgió el arte y la arquitectura barrocos?

Tres grandes tendencias incidieron en el arte barroco, la primera de las cuales fue la Contrarreforma. Contendiendo con la expansión de la Reforma Protestante, la Iglesia católica romana , después del Concilio de Trento (1545-1563), adoptó un programa propagandista en el que el arte debía servir como un medio para estimular la fe del público en la iglesia. El estilo barroco que evolucionó fue sensual y espiritual. Mientras que un tratamiento naturalista hizo que la imagen religiosa fuera más accesible para el feligrés promedio, se utilizaron efectos dramáticos e ilusorios para estimular la devoción y transmitir el esplendor de lo divino. La segunda tendencia fue la consolidación de las monarquías absolutas: los palacios barrocos se construyeron a escala monumental para mostrar el poder del estado centralizado, un fenómeno que se muestra mejor en Versalles. La tercera tendencia fue una ampliación de los horizontes intelectuales humanos, estimulada por los avances en la ciencia y las exploraciones del mundo. Éstos produjeron una nueva sensación de insignificancia humana (particularmente instigada por el desplazamiento copernicano de la Tierra desde el centro del universo) y de la infinitud del mundo natural. Las pinturas de paisajes en las que se retrata a los seres humanos como figuras diminutas en un vasto escenario indicaban esta conciencia cambiante de la condición humana.



Leer más a continuación: Tres tendencias principales de la época Contrarreforma Lea más sobre la Contrarreforma, un programa propagandista adoptado por la Iglesia Católica Romana para hacer frente a la propagación de la Reforma Protestante mediante el uso del arte y la arquitectura.

¿Qué artistas están asociados con el estilo barroco?

Annibale Carracci y Caravaggio Fueron los dos pintores italianos que ayudaron a marcar el comienzo del Barroco y cuyos estilos representan, respectivamente, los modos clasicista y realista. La pintora Artemisia Gentileschi fue reconocida en el siglo XX por su habilidad técnica y ambiciosas pinturas históricas. Gian Lorenzo Bernini , cuyos logros incluyeron el diseño de la columnata frente a la Basílica de San Pedro en Roma, fue el más grande de los escultores-arquitectos barrocos. Las ordenadas pinturas de Nicolas Poussin y la moderada arquitectura de Jules Hardouin-Mansart revelan que el impulso barroco en Francia fue más tenue y clasicista. En España, el pintor Diego Velázquez utilizó un enfoque naturalista sombrío pero poderoso que solo guardaba alguna relación con la corriente principal de la pintura barroca. Mientras tanto, el estilo hizo incursiones limitadas en el norte de Europa, especialmente en lo que ahora es Bélgica. El maestro más grande de esa región católica romana gobernada por españoles fue el pintor Peter Paul Rubens , cuyas tempestuosas composiciones diagonales y figuras de pura sangre son el epítome de la pintura barroca. El arte en los Países Bajos, sin embargo, es más complejo. Condicionados por los gustos realistas de sus mecenas de clase media, maestros imponentes como Rembrandt, Frans Hals y Johannes Vermeer permaneció en gran parte independiente del barroco en aspectos importantes, pero muchos textos de arte, no obstante, los equiparan con el estilo. Sin embargo, el barroco tuvo un impacto notable en Inglaterra, particularmente en la arquitectura de Sir Christopher Wren.

Leer más a continuación: Arquitectura, pintura y escultura Artemisia Gentileschi Obtenga más información sobre Artemisia Gentileschi, la pintora barroca cuyos logros llegaron a ser celebrados en el siglo XX.

¿En qué se diferenciaba el estilo rococó del barroco?

La Rococó El estilo se originó en París alrededor de 1700 y pronto fue adoptado en Francia y más tarde en otros países, principalmente Alemania y Austria. Al igual que el estilo barroco, el rococó se utilizó en el Artes Decorativas , diseño de interiores, pintura, arquitectura y escultura. A menudo se caracteriza como la fase final del barroco, pero el estilo se diferencia de su predecesor en su escala íntima, asimetría, ligereza, elegancia y uso exuberante de formas naturales curvas en la ornamentación. La pintura rococó en Francia, por ejemplo, comenzó con las pinturas gráciles y suavemente melancólicas de Antoine Watteau, culminó con los desnudos juguetones y sensuales de François Boucher y terminó con las escenas de género pintadas libremente de Jean-Honoré Fragonard. La pintura rococó francesa en general se caracterizó por tratamientos tranquilos y desenfadados de temas mitológicos y de cortejo, la introducción de la familia como tema, una pincelada rica y delicada, una tonalidad relativamente ligera y una coloración sensual.

Rococó Obtenga más información sobre el rococó, el estilo que a menudo se considera la fase final del barroco, pero que se diferencia de su predecesor en varios aspectos.

El origen del término

El término barroco probablemente derivó en última instancia de la palabra italiana barroco , que los filósofos utilizaron durante el Edad media describir un obstáculo en lógica esquemática. Posteriormente, la palabra pasó a denotar cualquier idea retorcida o proceso de pensamiento involucionado. Otra posible fuente es la palabra portuguesa barroco (Español barrueco ), utilizado para describir una perla de forma irregular o imperfecta, y este uso aún sobrevive en el término del joyero perla barroca .



En la crítica de arte, la palabra barroco llegó a usarse para describir cualquier cosa irregular, extraña o que se desvíe de las reglas y proporciones establecidas. Esto tendencioso La visión de los estilos artísticos del siglo XVII se mantuvo con pocas modificaciones por parte de críticos, desde Johann Winckelmann hasta John Ruskin y Jacob Burckhardt, y hasta finales del siglo XIX el término siempre tuvo la implicación de extraño, grotesco, exagerado y sobredecorado. Fue solo con el estudio pionero de Heinrich Wölfflin Renacimiento y Barroco (1888) que el término barroco se usó como un estilo designacion más que como un término de abuso apenas velado, y se logró una formulación sistemática de las características del estilo barroco.

es jamaica en las indias occidentales

Tres tendencias principales de la época

Tres más amplios culturales y intelectual Las tendencias tuvieron un profundo impacto en el arte barroco, así como en la música barroca. El primero de ellos fue el surgimiento de la Contrarreforma y la expansión de su dominio, tanto territorial como intelectualmente. En las últimas décadas del siglo XVI, el estilo refinado y cortesano conocido como manierismo había dejado de ser un medio de expresión efectivo y su insuficiencia para el arte religioso se hacía sentir cada vez más en los círculos artísticos. Para contrarrestar los avances hechos por la Reforma, el católico romano La Iglesia después del Concilio de Trento (1545-1563) adoptó una postura propagandística en la que el arte debía servir como un medio para extender y estimular la fe del público en la iglesia. Con este fin, la iglesia adoptó un programa artístico consciente cuyos productos artísticos harían un llamamiento abiertamente emocional y sensorial a los fieles. El estilo barroco que se desarrolló a partir de este programa fue paradójicamente a la vez sensual y espiritual; mientras que un tratamiento naturalista hizo que la imagen religiosa fuera más accesible para el feligrés promedio, se utilizaron efectos dramáticos e ilusorios para estimular la piedad y la devoción y transmitir una impresión del esplendor de lo divino. Los techos de las iglesias barrocas se disolvieron así en escenas pintadas que presentaban vívidas vistas de la infinito al observador y dirigió los sentidos hacia las preocupaciones celestiales.

Caravaggio: La vocación de San Mateo

Caravaggio: La vocación de San Mateo La vocación de San Mateo , óleo sobre lienzo de Caravaggio, 1599-1600; en la Capilla Contarelli, San Luigi dei Francesi, Roma. Mauro Magliani / age fotostock



Francesco Borromini: artesonado de San Carlo alle Quattro Fontane

Francesco Borromini: artesonado de San Carlo alle Quattro Fontane Artesonado barroco de la cúpula de San Carlo alle Quattro Fontane, Roma, diseñado por Francesco Borromini, 1638–41. LivioAndronico

La segunda tendencia fue la consolidación de la absoluta monarquías , acompañado de una cristalización simultánea de una clase media prominente y poderosa, que ahora pasó a desempeñar un papel en el mecenazgo del arte. Los palacios barrocos se construyeron en una escala ampliada y monumental para mostrar el poder y la grandeza del estado centralizado, un fenómeno que se muestra mejor en el palacio real y los jardines de Versalles. Sin embargo, al mismo tiempo, el desarrollo de un mercado de imágenes para la clase media y su gusto por el realismo se puede ver en las obras de los hermanos Le Nain y Georges de La Tour en Francia y en las diversas escuelas de pintura holandesa del siglo XVII. (Para una discusión detallada de este fenómeno, ver Rembrandt van Rijn.)



Georges de La Tour: La Lamentación sobre San Sebastián

Georges de La Tour: La Lamentación sobre San Sebastián La Lamentación sobre San Sebastián , óleo sobre lienzo de Georges de La Tour, 1645; en el Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz, Berlín. 1,6 × 1,3 m. Cortesía del Staatliche Museen zu Berlin - Preussischer Kulturbesitz

Palacio de Versalles

Palacio de Versalles La cancha de mármol en el Palacio de Versalles, Francia. Photos.com/Jupiterimages



¿Cuándo han estado los cachorros en la serie mundial?

La tercera tendencia fue un nuevo interés por la naturaleza y una ampliación general de los horizontes intelectuales humanos, estimulada por los avances en la ciencia y por las exploraciones del mundo. Estos produjeron simultáneamente una nueva sensación tanto de insignificancia humana (particularmente instigada por el desplazamiento copernicano de la Tierra desde el centro del universo) como de la insospechada complejidad e infinitud del mundo natural. El desarrollo de la pintura de paisajes del siglo XVII, en la que con frecuencia se retrata a los humanos como figuras diminutas en un vasto entorno natural, es indicativo de esta conciencia cambiante de la condición humana.