La opinión de que el arte es imitación (representación) no solo ha sido cuestionada, ha sido moribundo en al menos algunas de las artes desde el siglo XIX. Posteriormente fue reemplazada por la teoría de que el arte es expresión. En lugar de reflejar estados del mundo externo, se considera que el arte refleja el estado interno del artista. Esto, al menos, parece ser implícito en el significado central de expresión : el exterior demostración de un estado interior. El arte como representación de la existencia exterior (ciertamente visto a través de un temperamento) ha sido reemplazado por el arte como expresión de la vida interior de los humanos.
Ernst Ludwig Kirchner: Bodegón con jarra y cuenco africano Bodegón con jarra y cuenco africano , óleo sobre lienzo de Ernst Ludwig Kirchner, 1912; en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Enmarcado 139,7 × 111,76 × 6,35 cm. Fotografía de Beesnest McClain. Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, obsequio de Richard Smooke, Michael Smooke y Barry Smooke en honor a sus padres, Marion y Nathan Smooke, M.2003.90
Pero los terminos Rápido y expresión están ambiguo y no siempre denotan lo mismo. Como tantos otros términos, Rápido está sujeto a la ambigüedad proceso-producto: la misma palabra se usa para un proceso y para el producto que resulta de ese proceso. La música expresa sentimiento puede significar que el compositor expresó sentimiento humano al escribir la música o que la música cuando se escucha es expresiva (de alguna manera aún por definir) del sentimiento humano. En el primer sentido se basan las teorías sobre la creación de arte. En el segundo se fundamentan las teorías sobre el contenido del arte y la realización de su creación.
La creación de una obra de arte es el surgimiento de una nueva combinación de elementos en el medio (tonos en la música, palabras en literatura , pinturas sobre lienzo, etc.). Los elementos existían de antemano pero no en la misma combinación; la creación es la reformación de estos materiales preexistentes. La preexistencia de materiales se aplica a la creación al margen del arte: en la creación de una teoría científica o en la creación de una perturbación. Se aplica incluso a la creación en la mayoría de las teologías, excepto en algunas versiones del cristianismo. teología , en el que la creación es ex nihilo, es decir, sin materia preexistente.
Que la creación ocurre en varios medios artísticos es una obvia verdad . Pero una vez concedido esto, todavía no se ha dicho nada sobre la expresión, y el expresionista diría que la afirmación anterior sobre la creación es demasiado suave para cubrir lo que hay que decir sobre el proceso de creación artística. El proceso creativo, quiere decir el expresionista, es (o es también) un proceso expresivo, y para la expresión es necesario algo más que que el artista esté creando algo. Hay que tener mucho cuidado en esta etapa: algunos dicen que la creación de arte es (o implica) autoexpresión; otros dicen que es la expresión de un sentimiento, aunque no necesariamente del propio sentimiento (o tal vez eso y algo más, como el sentimiento de uno cultura o de la propia nación o de toda la humanidad); otros dicen que no se limita necesariamente a los sentimientos, sino que las ideas o los pensamientos se pueden expresar, ya que claramente están en ensayos . Pero la visin distintivamente expresionista de la creacin artstica es el producto de la Movimiento romántico , según el cual la expresión de sentimientos que constituye la creación de arte, al igual que la filosofía y otras disciplinas son la expresión de ideas. En todo caso, es la teoría del arte como expresión de sentimientos (que aquí se entenderá que incluye emociones y actitudes) la que ha sido históricamente significativa y desarrollada: el arte como especialmente conectado con la vida del sentimiento.
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Cuando se dice que las personas expresan sentimientos, ¿qué están haciendo específicamente? En un sentido perfectamente ordinario, expresarse es soltarse o desahogarse: los individuos pueden expresar su enojo arrojando cosas, maldiciendo o golpeando a las personas que los han enojado. Pero, como han señalado muchos escritores, este tipo de expresión tiene poco que ver con el arte; como el filósofo americano John Dewey dicho, es más un derrame o un escupir que una expresión. En el arte, al menos, la expresión requiere un medio, un medio que sea recalcitrante y que los artistas deben someterse a su voluntad. Al lanzar cosas para expresar enojo, no existe un medio, o, si el cuerpo de uno se llama el medio, entonces es algo que uno no tiene que estudiar para usarlo con ese propósito. Todavía es necesario distinguir una liberación natural de una expresión. Si la poesía fuera literalmente el desbordamiento espontáneo de sentimientos poderosos, como dijo William Wordsworth, consistiría principalmente en cosas como lágrimas y balbuceos incoherentes. Si puede decirse plausiblemente que la creación artística es un proceso de expresión, debe entenderse algo diferente y más específico que la liberación o descarga natural.
John Dewey John Dewey. Underwood & Underwood, Biblioteca del Congreso, Washington, D.C. (número negativo LC-USZ62-51525)
Una visión de la expresión emocional en el arte es que está precedida por una perturbación o excitación por una causa vaga sobre la cual el artista no está seguro y, por lo tanto, está ansioso. Luego, el artista procede a expresar sentimientos e ideas con palabras o pintura o piedra o similares, clarificándolos y logrando una liberación de tensión. El punto de esta teoría parece ser que los artistas, después de haber sido perturbados por la falta de articulación de sus ideas, ahora se sienten aliviados porque han expresado lo que querían expresar. Este fenómeno, de hecho familiar (porque todo el mundo se ha sentido aliviado cuando se hace un trabajo), aún debe ser examinado por su relevancia. ¿Es la emoción que se expresa lo que cuenta o el alivio de haberla expresado? Si la preocupación aquí es con el arte como terapia o hacer arte para proporcionar revelaciones a un psiquiatra, entonces lo último es lo que cuenta, pero el crítico o consumidor del arte seguramente no está preocupado por tales detalles de la biografía del artista. Ésta es una objeción a todas las explicaciones de la expresión como proceso: ¿cómo se arroja alguna luz sobre la obra de arte al decir que el artista pasó por algún proceso expresivo o por cualquier proceso en su génesis? Si el artista se sintió aliviado al final, tanto mejor, pero este hecho es tan estéticamente irrelevante como lo sería si el artista se hubiera suicidado al final o se hubiera tomado a beber o compuesto otra obra inmediatamente después.
Cabe señalar otro problema: suponiendo que los artistas alivien sus estados mentales oprimidos mediante la creación, ¿qué conexión tiene esto con las palabras, la partitura o las pinceladas exactas que ponen en el papel o el lienzo? Los sentimientos son una cosa, las palabras y las formas y tonos visuales son otra muy distinta; son estos últimos los que constituir el medio artístico, y en ellos que se crean las obras de arte. Sin duda, existe una conexión causal entre los sentimientos del artista y las palabras que el artista escribe en un poema, pero la teoría de la expresión de la creación habla solo de los sentimientos del artista, mientras que la creación ocurre dentro de los medios artísticos mismos, y para hablar solo de los sentimientos del artista. El primero es no decir nada sobre la obra de arte, es decir, cualquier cosa que sea de interés para otros que no sean el psiquiatra o el biógrafo del artista. A través de qué paroxismos La emoción que transmitió el artista ya no importa, en lo que respecta a la percepción de la obra, que saber que un ingeniero determinado había tenido una pelea con un amigo la noche antes de comenzar la construcción de cierto puente. Para hablar de algo revelador de las obras de arte, es necesario dejar de hablar de las emociones del artista y hablar de la génesis de las palabras, los tonos, etc., elementos de los medios artísticos específicos.
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De hecho, los expresionistas han resaltado y enfatizado una distinción importante: entre los procesos involucrados en el arte y en la artesanía. La actividad de construir un puente a partir del plano de un arquitecto o construir una pared de ladrillos o armar una mesa como mil otras que el artesano ya ha hecho es un oficio y no un arte. El artesano sabe al comienzo de los procesos exactamente qué tipo de producto final se desea: por ejemplo, una silla de dimensiones específicas hecha de materiales particulares. Un buen artesano (eficiente) sabe desde el principio cuánto material se necesitará para hacer el trabajo, qué herramientas, etc. Pero el artista creativo no puede trabajar de esta manera: los artistas no saben lo que van a expresar hasta que han expresado que es una consigna del expresionista. No pueden decir de antemano cómo será una obra de arte terminada: el poeta no puede decir qué palabras constituirán el poema completo o cuántas veces la palabra la ocurrirá en él o cuál será el orden de las palabras, eso sólo se puede saber después de que el poema ha sido creado, y hasta entonces el poeta no puede decirlo. El poeta tampoco podría ponerse a trabajar con tal plan: compondré un poema que contenga la palabra la 563 veces, la palabra Rosa 47 veces y así sucesivamente. Lo que distingue al arte de la artesanía es que el artista, a diferencia del artesano, no conoce el final al principio.
La distinción parece suficientemente válida, pero si apoya el punto de vista expresionista es más dudoso, ya que puede sostenerse independientemente de la actitud asumida hacia la teoría de la expresión. El proceso abierto descrito como arte en lugar de artesanía caracteriza todo tipo de creación: de matemática hipótesis y de la teoría científica, así como del arte. Lo que distingue a la creación de todas las demás cosas es que da como resultado una nueva combinación de elementos, y no se sabe de antemano cuál será esta combinación. Por lo tanto, se puede hablar de crear una obra de escultura o de crear una nueva teoría, pero rara vez de crear un puente (a menos que el constructor fuera también el arquitecto que lo diseñó, y luego es la génesis de la idea del puente, no a su ejecución, que se aplica la palabra creación). Ésta, entonces, es una característica de la creación; no está claro que sea una característica de la expresión (todo lo que se está haciendo al expresar que no se está haciendo ya en la creación). ¿Es necesario hablar de expresión, en contraposición a creación, para resaltar la distinción entre arte y artesanía?
No parece haber una verdadera generalización sobre los procesos creativos de todos los artistas ni siquiera de los grandes artistas. Algunos siguen sus intuiciones, dejando que su trabajo artístico crezca a medida que el espíritu se mueve y siendo comparativamente pasivos en el proceso (es decir, la mente consciente es pasiva y el inconsciente toma el control). Otros son conscientemente activos, saben mucho de antemano lo que quieren y descubren exactamente cómo hacerlo (por ejemplo, el escritor estadounidense del siglo XIX) Edgar Allan Poe en su ensayo La filosofía de la composición). Algunos artistas atraviesan largas agonías de la creación (el compositor alemán del siglo XIX Johannes Brahms, llorando y gimiendo para dar a luz una de sus sinfonías), mientras que para otros parece relativamente fácil (Mozart, que podría escribir una obertura completa en una noche para la actuación del día siguiente). Algunos artistas crean solo mientras tienen contacto físico con el medio (por ejemplo, compositores que deben componer en el piano, pintores que deben jugar en el medio para obtener ideas pictóricas), y otros prefieren crear solo en sus mentes (Mozart , se dice, visualizó cada nota en su mente antes de escribir la partitura). No parece haber una verdadera generalización que pueda hacerse sobre el proceso de creación artística, ciertamente no es que siempre sea un proceso de expresión. Por supuesto, para la apreciación de la obra de arte no es necesaria tal uniformidad, aunque los teóricos de la creación artística puedan desearla en gran medida.
Edgar Allan Poe Edgar Allan Poe. U.S. Signal Corps / Archivos Nacionales, Washington, D.C.
Las principales dificultades en la forma de aceptar conclusiones sobre el proceso creativo en el arte son (1) que los artistas difieren tanto entre sí en sus procesos creativos que no se puede llegar a generalizaciones que sean a la vez verdaderas e interesantes o de algún significado y ( 2) que en psicología y neurología no se sabe lo suficiente sobre el proceso creativo; seguramente es el más asombrosamente complejo de todos los procesos mentales en los seres humanos, y los procesos mentales humanos más simples están envueltos en un misterio. En todos los campos abundan las hipótesis, ninguna de ellas corroborado lo suficiente como para obligar al asentimiento sobre otras hipótesis conflictivas. Algunos han dicho, por ejemplo, Graham Wallas en su libro El arte del pensamiento (1926) - que en la creación de toda obra de arte hay cuatro etapas sucesivas: preparación, incubación, inspiración y elaboración; otros han dicho que estas etapas no son sucesivas en absoluto, sino que continúan durante todo el proceso creativo, mientras que otros han producido una lista diferente de etapas. Algunos dicen que el artista comienza con un estado de confusión mental, con algunos fragmentos de palabras o melodías que se van aclarando gradualmente y el resto a partir de ahí, trabajando gradualmente hacia la claridad y la articulación, mientras que otros sostienen que el artista comienza con un problema, que se trabaja gradualmente durante el proceso de creación, pero la visión del artista del conjunto guía el proceso creativo desde sus inicios. La primera vista sería una sorpresa para el dramaturgo que se propuso escribir un drama en cinco actos sobre la vida y el asesinato de Julio César, y el segundo sería una sorpresa para artistas como el artista inglés del siglo XX Henry Moore, quien dijo que a veces comenzaba un dibujo sin un objetivo consciente sino solo con el deseo de usar lápiz en papel y hacer tonos, líneas y formas. Una vez más, en lo que respecta a las teorías psicológicas sobre las motivaciones inconscientes de los artistas durante la creación, una de las primeras visiones freudianas es que, al crear, el artista realiza la realización de deseos inconscientes; una visión freudiana posterior es que el artista se dedica a elaborar defensas contra los dictados del superyó. Puntos de vista basados en las ideas del psicólogo suizo del siglo XX Carl Jung rechazar ambos alternativas , sustituyendo una explicación del proceso inconsciente de creación de símbolos.
Henry Moore: Figura reclinable de dos piezas n. ° 9 Figura reclinable de dos piezas n. ° 9 , bronce de Henry Moore, 1968; en la Biblioteca Nacional de Australia, Canberra. Robin Smith Photography, Nueva Gales del Sur
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