Escuche las dos arias de George Frideric Handel de Hércules y Tamerlano tal como las presenta y canta Ian Bostridge Extractos breves de dos arias de George Frideric Handel, tal como los presenta y canta el tenor Ian Bostridge. Las arias son del oratorio Hércules y la opera Tamerlano . Mostrado con permiso de The Regents de la Universidad de California. Reservados todos los derechos. (Un socio editorial de Britannica) Ver todos los videos de este artículo
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Aire , solo canción con acompañamiento instrumental, un elemento importante de la ópera pero que también se encuentra ampliamente en cantatas y oratorios. El término se originó en Italia en el siglo XVI y ganó popularidad por primera vez después de 1602, cuando Giulio Caccini publicó La nueva musica ( La nueva musica ), una colección de canciones solistas con acompañamiento de continuo (generalmente violonchelo y clavecín). Caccini llamó a sus canciones estróficas, o en forma de estrofa, arie (singular aire ). Las canciones estróficas más serias publicadas en Italia después de 1602 se llamaron arias, y en 1607 la forma se abrió paso en la ópera, en Orfeo por Claudio Monteverdi (1567–1643).
En lugar de usar la misma música para todos habitación , algunos compositores colocaron variaciones de una melodía sobre una línea de bajo repetida y en constante movimiento. Arias de un popular o frívolo El elenco a menudo se llamaba canzonetta o arietta. Después de aproximadamente 1620, las arias casi siempre se compusieron en tiempo triple ( p.ej. 3/4) y también eran más largos y nuevos musical formas, a menudo sugeridas por los textos. A mediados del siglo XVII, la preferencia por las formas bipartitas (es decir, AB) fue reemplazada por una dependencia del aria da capo, en la que la melodía y el texto iniciales se repetían después de que se cantaba una melodía y un texto intermedios (es decir, ABA). A menudo, la sección B interna se estableció en tiempo doble (por ejemplo,2/4), las secciones exteriores A en tiempo triple (por ejemplo,3/4).
Durante finales del siglo XVII y principios del XVIII, el aria de da capo fue un forma musical , particularmente como parte de óperas y cantatas italianas. Los textos de Aria escritos en la forma ABA se hicieron más cortos en comparación con las canciones estróficas, con solo unas pocas líneas en cada sección, aunque se crearon formas musicales expansivas a través de texto muy repetido. La sección central de B solía ser concisa y, a menudo, en un tono relacionado, con un estado de ánimo y un tempo contrastantes. Mientras que la historia de una ópera avanzaba a través del recitativo (diálogo cantado en ritmos rápidos, parecidos a un discurso), las arias, por el contrario, eran dramáticamente estáticas, lo que permitía a los personajes individuales reflexionar sobre la acción inmediatamente anterior, después de lo cual quizás abandonaban el escenario.
Arias podría asumir diferentes estados de ánimo y se clasificaron como cantabile aria (aria lírica), aire de habilidad (virtuoso aria), hablando aire (aria en forma de habla), y así sucesivamente. Se suponía que debían distribuirse cuidadosamente a lo largo de una ópera, aunque compositores como George Frideric Handel y Alessandro Scarlatti no observaron esta convención de manera rígida. Los cantantes más aclamados de la época decoraron el reanudación de la sección A con brillantes adornos improvisados, que culminan en una cadencia sin acompañamiento. El aria de da capo también era un elemento básico constituir de cantatas y en menor medida de oratorios.
A finales del siglo XVIII, se había producido una reacción contra la forma da capo, y entró en un fuerte declive. Figuras tan influyentes como el filósofo Jean-Jacques Rousseau y el compositor Christoph Willibald Gluck protestaron contra el aria da capo, objetando su coloratura excesiva (o canto florido), ante la impropiedad dramática de volver al estado de ánimo de la sección A después del estado de ánimo contrastante de sección B, y al absurdo que a menudo resulta de la sección repetida del texto.
El aria continuó siendo prominente en la ópera después de aproximadamente 1770, pero en muchos diferentes, menos esteriotipado formas musicales, que van desde simples canciones estróficas hasta escenas largas y elaboradas. Las óperas de Gluck fueron las primeras importantes en utilizar tal variedad de arias. El aria también disfrutó de una boga como pieza de concierto. Arias operativas ( p.ej. Catálogo Aria de Leporello en W.A. Mozart Don Giovanni ) se escribieron a menudo en dos partes, una dramática y otra lírica.
En la ópera italiana hasta Aida (1871), el aria fue cultivado durante un período más largo que en la ópera alemana. Richard Wagner en sus reformas operísticas utilizó una textura musical continua en lugar de números separados, usando arias como canciones solo en casos especiales ( p.ej. la canción del premio en Los Mastersingers ). En el siglo XX, las arias ocurrieron en gran parte en las óperas de compositores no influenciados por Wagner ni hostiles a él ( p.ej. Igor Stravinsky Progreso de Rake y las óperas de Benjamin Britten). La palabra aire se utiliza ocasionalmente para piezas instrumentales de naturaleza canónica, ya que los dos movimientos intermedios de Stravinsky Concierto para violín.
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